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La sonrisa de Monalisa: la vida a través del arte
La película “la sonrisa de Monalisa” se sitúa en el contexto social y político estadounidense de 1953, pone como escenario además uno de los colegios más tradicionales: Wellesley. Narrado en un marco de posguerra y guerra fría, este film tiene como protagonista a Katherine Watson una brillante maestra de historia del arte que desafiará los estándares conservadores del colegio y de la sociedad que la rodea.
En la cinta, puede apreciarse desde un primer momento el choque entre dos posturas: el conservadurismo y el progresismo. Este mismo choque se traslada no únicamente al ámbito ideológico, sino que también logra hacerlo en el plano educativo. Esta ruptura que existe entre lo tradicional y lo moderno está representada también en el arte. Este precepto está presente en cuanto el arte moderno busca romper con el pasado.
Desde la educación
Durante la primera clase de historia del arte, la profesora se encuentra con un alumnado que conoce todas y cada una de las obras que está presentando en pantalla, su datación, sus características particulares y su significado. Este conocimiento sin embargo ha sido obtenido mediante la memoria, las alumnas han memorizado el libro de texto previo a la primera clase. Sin embargo, no han podido realizarse una pregunta fundamental: ¿Qué es el arte?
En la segunda clase, la profesora decide romper con esta conducta memorista y conductista Plantea ante ellas la obra “cadáver” de Soutine, datada del año 1925 y perteneciente al movimiento expresionista. Chaim Soutine a su vez ser relacionado con el arte contemporáneo, pues autores como Van Gogh o el Greco influyeron en su obra. Es en este preciso momento en que las alumnas realmente comienzan a preguntarse: ¿Qué es arte? ¿Tiene estándares? ¿Cómo y quién decide qué es arte?
El método de enseñanza cambia, las estudiantes comienzan a deliberar al respecto, comienzan a sentir curiosidad, son capaces de plasmar sus ideas y criterios sin la necesidad de un libro de texto. Este comportamiento tiene impacto no únicamente a nivel educativo, sino que cuestiona también el rol de género que cumplen las chicas en su sociedad.
El arte y la sociedad de consumo
El arte comienza a ser una forma de interpretar la vida misma, esta premisa queda clara en cuanto se hace referencia a la obra de Vicent Van Gogh, específicamente a “los girasoles” una serie de 14 cuadros iniciada en 1888 y perteneciente al postimpresionismo. Mediante esta obra Katherine deja una conclusión en el aire “pueden ajustarse a lo que los demás esperan de ustedes, o ser ustedes mismas”.
El artista será usado nuevamente cuando se analiza porqué un kit de pintura, ingeniado para el consumo en masa que promete al consumidor convertirlo en “Van Gogh”. La idea de “todos pueden ser Van Gogh” mediante instrucciones establecidas hace asumir al consumidor que el arte y el estilo pueden venderse en caja.
Expectativas sociales y roles de género
Esto, es extensible a las expectativas que tiene la sociedad de Wellesley acerca de sus estudiantes: siguen instrucciones para convertirse en esposas y amas de casa. Están a la espera de una propuesta de matrimonio, es lo que les han inculcado, es lo que esperan de ellas.
Este particular contexto en donde reina la tradición, donde toda acción fuera del status quo es considerada “subversiva”, plantea que existe cierta represión de pensamiento, que se traduce al final del día en el condicionamiento de ciertas libertades individuales. El papel de Katherine como docente es estimular el pensamiento crítico en sus estudiantes, mismo que se traducirá en decisiones individuales que puedan hacerlas sentir realizadas como personas.
La docente, intenta inculcar este precepto cuando lleva a las estudiantes a observar la obra de Jackson Pollow, un artista contemporáneo. Esta obra está cubierta de pintura all-over y representa en toda amplitud; libertad. Libertad de crear, de hacer arte. Las alumnas tienen únicamente la tarea de observar.
La obra es plenamente subjetiva, lo que permite al observador interpretar desde una perspectiva individual. Esta obra rompe paradigmas establecidos por las mismas escuelas de arte.
Representa a su vez la libertad de decidir aquello que realmente quieren en la vida. Son chicas brillantes e inteligentes, sin embargo, durante toda su enseñanza se les ha inculcado la obediencia, esta obra propone la idea de que tienen la oportunidad de interpretar y decidir por sí mismas.
Una de las obras más importantes de Leonardo Da Vinci, también es introducida en el guion, “La Monalisa”. Esta pintura representa la propia perspectiva que tenía Leonardo de la vida. Este mismo consideraba que la verdad, que lo real; era lo bello. Que lo bello enaltece como consecuencia lo real. Consideraba así mismo que lo real solo es comprensible cuando se estudia, cuando se comprende. El concepto de belleza normativa es cuestionado en su obra.
Casi al final de la cinta, se presenta la escena en donde una de las alumnas que contrajo matrimonio decide finalmente divorciarse pese a la presión familiar y social. Desafía las imposiciones de su madre cuando le cuestiona: “¿Se ve feliz la Monalisa?”
Lo bello, por lo tanto, no tiene carácter normativo, es lo real lo que resalta la belleza. Esta alumna es capaz de cuestionarse si el seguir las pautas la hará feliz, si todo aquello “que siempre ha deseado” le merece la sumisión y la humillación a las que se ve sometida.
Lo bello, por lo tanto, no tiene carácter normativo, es lo real lo que resalta la belleza. Esta alumna es capaz de cuestionarse si el seguir las pautas la hará feliz, si todo aquello “que siempre ha deseado” le merece la sumisión y la humillación a las que se ve sometida.
Conclusiones
La cinta es capaz de presentar una estrecha relación entre el arte y la vida de los individuos. El arte lleva al cuestionamiento, al pensamiento crítico y por ende plantea cierto precepto de libertad. No existe sin embargo adoctrinamiento, la profesora simplemente invita a sus alumnas a pensar y a descubrirse a sí mismas a través del arte.
Las constantes referencias a obras, hacen que las estudiantes puedan cuestionarse en todo momento el rol que han asumido inconscientemente mediante una educación conductista. Cabe recalcar que esta actitud conductista es además resultado de un contexto social y político donde reinaba la paranoia y se consideraba necesario establecer roles fijos de género.
El choque que existe entre dos visiones diferentes del arte, se está traduciendo a lo largo de toda la cinta en todos los ámbitos: político, ideológico, social y educativo. Finalmente, esta introspectiva que realizan las alumnas a través del arte las lleva a cuestionarse su papel, a decidir que realmente quieren ser en la vida y a tomar decisiones de manera autónoma y autosuficiente, logran desafiar de manera elocuente, “el papel para el que han nacido”.
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